Francois Xavier Vispré
Francois Xavier Vispré
(ca. 1730 – 1789), zugeschrieben an
Trompe l’oeil. Erscheinung der Madonna mit Kind an den Hl. Antonius von Padua
Nach einem Kupferstich (46 x 34 cm) von Gilles Rousselet nach Van Dyck, ca. 1640 Paris.
Öl auf Karton, 44 x 35 cm
8.500 €
Trompe-l’oeils sind Bilder, deren dargestellte Gegenstände so naturalistisch gemalt sind, dass sie vom Betrachter als tatsächlich vorhanden empfunden werden. Die Darstellung gibt in nahezu gleichem Format einen Kupferstich von Gilles Rousselet nach Van Dyck wieder.
Francois Xavier Vispré war Maler und Graphiker. Er begann seine Laufbahn in Paris und siedelte dann nach London um, wo er ab dem Jahr 1760 regelmäßig in der Royal Academy ausstellte. Dieses Gemälde weist stilistische Parallelen zu anderen Werken des Künstlers auf und kann ihm daher zugeschrieben werden. Es sind noch andere Trompe -l’oeil Malereien von Vispré bekannt, darunter ein weiteres mit dem Motiv des Kupferstichs und der zerbrochenen Glasscheibe.
Im Zuge der Glasproduktion im 18. Jahrhundert konnte transparentes Flachglas günstiger hergestellt werden und wurde nun zur Rahmung von Graphiken eingesetzt. Diese neue Präsentationsform wirkte sich auf die Künstler aus. Innerhalb der Trompe-L’oeil Malerei entwickelte sich eine Sonderform, die gerahmte graphische Blätter mit zersprungenen Rahmen zeigte.
Joseph Heintz the Elder (1564 Basel - 1609 Prague) and workshop
Joseph Heintz the Elder (1564 Basel - 1609 Prague) and workshop
Cupid Carving the Arch
around 1610
Oil on canvas, 140 x 87 cm
Price on request
The depiction is an extraordinarily faithful copy of the „Bow Carving Cupid“ by Parmigianino, now in the Kunsthistorisches Museum, Vienna. [1] Heintz has kept to all the details of the model. Parmigianino’s painting, which became famous shortly after it was painted in 1535, was long sought by Emperor Rudolf II, but it was not until 1603 that Philip III agreed to send the work to Prague.
Already in the collection of Emperor Rudolf II in the first decade of the 17th century the original was exhibited with its copy by Heintz. Rudolf’s court painter Joseph Heintz the Elder had made a copy after Parmigianinos‘ Arch Carving Cupid. The two paintings hung side by side for a long time in the Imperial Treasury in Vienna, where they were considered a special sight. Peter Paul Rubens also created a free copy.
Two large-format copies and a small-format version on copper exist from the hand of Heintz.
[1] Parmigianino (1504-1540), Arch Carving Cupid, between 1534-1539, oil on wood, 135.5 cm x 65 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienna. Joseph Heintz the Elder (1564-1609), Arch Carving Cupid, after 1603, oil on wood, 135 x 64 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienna.
Joseph Heintz d.Ä. (1564 Basel - 1609 Prag) mit Werkstatt
Joseph Heintz d.Ä. (1564 Basel - 1609 Prag) mit Werkstatt
Amor schnitzt den Bogen
um 1610
Öl auf Leinwand, 140 x 87 cm
Preis auf Anfrage
Die Darstellung ist eine außerordentlich getreue Kopie des „Bogenschnitzenden Amors“ von Parmigianino, heute im Kunsthistorischen Museum, Wien.[1] Heintz hat sich an alle Einzelheiten des Vorbilds gehalten. Das schon kurz nach seiner Entstehung im Jahr 1535 berühmte Bild Parmigianinos versuchte Kaiser Rudolf II. lange Zeit in seinen Besitz zu bekommen, doch erst 1603 willigte Philipp III. ein das Werk nach Prag zu senden.
Bereits in der Sammlung Kaiser Rudolfs II. im ersten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts das Original mit seiner Kopie von Heintz ausgestellt. Rudolfs Hofmaler Joseph Heintz d. Ä. hatte nach Parmigianinos‘ Bogenschnitzenden Amor eine Kopie gefertigt. Die beiden Bilder hingen lange Zeit nebeneinander in der kaiserlichen Schatzkammer in Wien und galten dort als besondere Sehenswürdigkeit. Auch Peter Paul Rubens schuf eine freie Nachbildung.
Aus der Hand von Heintz existieren zwei großformatige Kopien und eine kleinformatige Fassung auf Kupfer.
[1] Parmigianino (1504-1540), Bogenschnitzender Amor, zwischen 1534-1539, Öl auf Holz, 135,5 cm x 65 cm, Kunsthistorisches Museum, Wien. Joseph Heintz d. Ä. (1564-1609), Bogenschnitzender Amor, nach 1603, Öl auf Holz, 135 x 64 cm, Kunsthistorisches Museum, Wien.
Thomas Willeboirts Bosschaert - Pan plays to the dance of the putti
Thomas Willeboirts Bosschaert - Pan plays to the dance of the putti
(1614 Bergen op Zoom – 1654 Antwerp)
Pan plays to the dance of the putti
Oil sketch
Oil on canvas, 35 x 51 cm
Price: 18.000€
Provenance:
Belgian private collection, ca. 1980 to 2020.
The oil sketch shows a flute-playing man with dark curls sitting at the left edge of the picture in a recess draped with cloth. In the lower left corner, a fallen bowl with leaking water can be seen. The right half of the picture shows a circle of five dancing putti, whereby the left putti can be recognized as a satyr due to the goat legs. The background is dominated by a dark mountain landscape. In the sky a rising or setting sun can be guessed. It is possible that the flute player represents Bacchus, the god of wine and ecstasy. This fits with the flute as a symbol of celebration, as well as the bowl of water, which could refer to Bacchus‘ mother, Lethe. Lethe is a river in the underworld, which at the same time symbolizes „oblivion“. Thus, the spilling water bowl is not only a reference to this river, but it also symbolizes „oblivion“. Moreover, Bacchus is usually depicted with satyrs in his retinue, which would explain the putto with goat legs. However, the interpretation of the flute player as the god Pan would be possible. He is usually shown with his flute and associated with dance. Moreover, he is native to the mountainous landscape of Arcadia.
The present work is an oil sketch, i.e. a preparatory study. This is suggested by the partly unfinished parts, as well as the structure of the picture. Some parts are already almost completely laid out, such as the flute player, while others, for example the horizon and also the figures of the putti, are only sketched in outline.
The painting can be attributed to the Baroque painter Thomas Willeboirts Bosschaert. This attribution was also confirmed by Prof. Hans Vlieghe.
Bosschaert lived and worked in Antwerp with Peter Paul Rubens and Anthonis van Dyck, among others. He studied with Gerard Seghers and probably also with Van Dyck. In 1637 he joined the St. Luke’s Guild. His work is characterized by a large number of religious and historical paintings. He worked for Prince Frederick Henry of Orange and Prince William II of Orange, among others.
The present oil sketch is a smaller version of the „Children’s Bacchanal“ by Bosschaert in Kassel. This painting shows a multitude of putti surrounding and celebrating with the drunken boy Bacchus. The basic compositional structure, as well as the design of the putti, shows a great closeness to the oil sketch. The „Cupid with tamed lion (Amor Triumphans)“ also shows great similarities in structure and style. In Bosschaert’s oil sketch „Venus Holds Back Mars – Allegory of War“ we find, among other things, the standing putto, facing the viewer.
The present oil sketch will have served as a preparatory study for a larger history painting. This working practice is often attested for collaborators or the circle of Peter Paul Rubens and Anthonis Van Dyck.
Thomas Willeboirts Bosschaert was particularly influenced by Van Dyck. This is also evident in this work, as comparable putti are depicted in Van Dyck’s „Triumph of Bacchus“, for example. The concentration of the figures on the right side of the picture, a similarly yellowish sky and various pictorial elements such as the fallen bowl (albeit filled with fruit) are also found there. Van Dyck’s „Rest on the Flight into Egypt“ is also very similar in pictorial composition. On the right side we see the dancing putti in a circle. On the left side, however, instead of the flute player, there is the Holy Family.
A model or inspiration for the present work could have been an engraving by the Italian Giulio Carpioni (1613-1678). The composition (though mirrored due to the copper engraving) is very similar, showing dancing putti on the left and a flute player with buck legs and curls on the right. In addition, one of the putti is also marked as a satyr with goat legs.
The present oil sketch from the hand of Bosschaert is an interesting addition to his oeuvre and illustrates not only his creative style but also his stylistic proximity to Van Dyck.
Literature:
Axel Heinrich, Thomas Willeboirt’s Bosschaert, Turnhout 2003, vol. I, cat A 58, fig. 88.
Thomas Willeboirts Bosschaert - Pan spielt zum Tanz der Putten
Thomas Willeboirts Bosschaert - Pan spielt zum Tanz der Putten
(1614 Bergen op Zoom – 1654 Antwerpen)
Pan spielt zum Tanz der Putten
Ölskizze
Öl auf Leinwand, 35 x 51 cm
Preis: 18.000€
Provenienz:
Belgische Privatsammlung, ca. 1980 bis 2020
Die Ölskizze zeigt einen Querflöte-spielenden Mann mit dunklen Locken, der am linken Bildrand in einer mit Tuch behangenen Vertiefung sitzt. In der linken unteren Ecke lässt sich eine umgefallene Schale mit auslaufendem Wasser erkennen. Die rechte Bildhälfte zeigt einen Kreis von fünf tanzenden Putten oder Amoretten, wobei die linke Putte aufgrund der Ziegenbeine als Satyr zu erkennen ist. Der Hintergrund wird von einer dunklen Berglandschaft bestimmt. Im Himmel lässt sich eine auf- oder untergehende Sonne erahnen. Möglich ist, dass der Flötenspieler den Gott des Weines und Ekstase Bacchus darstellen soll. Dazu passt die Flöte als Symbol des Feierns, sowie die Wasserschale, die auf die Mutter des Bacchus, Lethe, hinweisen könnte. Lethe ist ein Fluss in der Unterwelt, der zugleich „Vergessen“ symbolisiert. So ist die auslaufende Wasserschale nicht nur Verweis auf diesen Fluss, sondern er symbolisiert auch „Vergessen“. Außerdem wird Bacchus in der Regel mit Satyrn im Gefolge dargestellt, was die Putte mit Ziegenbeinen erklären würde. Möglich wäre jedoch die Interpretation des Flötenspielers als Gott Pan. Dieser wird meist mit seiner Flöte gezeigt und mit Tanz in Verbindung gesetzt. Außerdem ist er in der gebirgigen Landschaft Arkadiens beheimatet.
Bei dem vorliegenden Werk handelt es sich um eine Ölskizze, also eine vorbereitende Studie. Dies legen die teils unausgeführten Partien, wie auch der Aufbau des Bildes nahe. Einige Partien sind bereits fast vollständig angelegt, wie der Flötenspieler, während andere, beispielsweise der Horizont und auch die
Figuren der Putten, nur in Umrissen skizziert sind.
Das Gemälde stammt eindeutig von dem Barockmaler Thomas Willeboirts Bosschaert werden. Diese Zuschreibung wurde durch Prof. Hans Vlieghe bestätigt.[1] Der Experte und Verfasser des Werksverzeichnisses von Thomas Willeboirts Bosschaert, Dr. Axel Heinrich, bestätigte ebenfalls die Autorschaft Bosschaerts.[2] Er bezeichnete sie als besonders schöne und überzeugende Arbeit des Künstlers.
Bosschaert lebte und arbeitete in Antwerpen unter anderem mit Peter Paul Rubens und Anthonis van Dyck zusammen. Er lernte bei Gerard Seghers und vermutlich auch bei Van Dyck. Im Jahr 1637 trat er der St. Lukasgilde bei. Sein Werk zeichnet sich durch eine Vielzahl an religiösen und historischen Gemälden
aus. Er arbeitete u.a. für Prinz Friedrich Heinrich von Oranien und Prinz Wilhelm
- von Oranien.
Bei der vorliegenden Ölskizze handelt es sich um eine kleinere Fassung des „Kinderbacchanals“ von Bosschaert in Kassel.[3] Dieses Gemälde zeigt eine Vielzahl von Putten, die den trunkenen Bacchusknaben umgeben und mit ihm feiern. Der grundlegende Kompositionsaufbau, wie auch die Gestaltung der Putten weist eine große Nähe zur Ölskizze auf. Auch der „Amor mit gebändigtem
Löwen“ zeigt große Ähnlichkeiten in Aufbau und Stilistik (vgl. auch die Draperie).[4] Bei Bosschaerts Ölskizze „Venus hält Mars zurück – Allegorie des Krieges“ findet sich u.a. die stehende Putte wieder, die mit dem Gesicht zum Betrachter steht.[5]
Die vorliegende Ölskizze wird als vorbereitende Studie für ein größeres Historienbild gedient haben. Diese Arbeitspraxis ist vielfach für Mitarbeiter bzw.
den Umkreis des Peter Paul Rubens und Anthonis Van Dyck bezeugt. Thomas Willeboirts Bosschaert war besonders durch Van Dyck beeinflusst. Dies äußert sich auch bei diesem Werk, denn vergleichbare Putten sind etwa in Van Dycks‘ „Triumph des Bacchus“ dargestellt.[6] Auch die Konzentration der Figuren auf der rechten Bildseite, ein ähnlich gelblich gefärbter Himmel und verschiedene Bildelemente wie die umgefallene Schale (wenn auch mit Obst befüllt) finden sich dort ebenfalls. Auch Van Dycks „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“ ist im Bildaufbau sehr ähnlich.[7] Auf der rechten Seite sehen wir die tanzenden Putten in Kreis. Auf der linken Seite befindet sich jedoch anstatt des Flötenspielers die Heilige Familie. Eine Vorlage oder Inspiration für das vorliegende Werk könnte ein Kupferstich des Italieners Giulio Carpioni (1613-1678) gewesen sein. Die Komposition (wenn auch bedingt durch den Kupferstich gespiegelt) ist sehr ähnlich und zeigt auf der linken Seite tanzende Putten, auf der rechten einen Flötenspieler mit Bocksbeinen und Locken. Außerdem ist auch eine der Putten als Satyr mit Ziegenbeinen gekennzeichnet. Die vorliegende Ölskizze aus der Hand von Bosschaert ist eine interessante Bereicherung seines Oeuvres und illustriert neben seiner Schaffensweise auch seine stilistische Nähe zu Van Dyck.
Literatur:
Axel Heinrich, Thomas Willeboirts Bosschaert, Turnhout 2003, Bd. I, Kat A 58, Abb. 88.
[1] Schriftliche Korrespondenz vom 16. September 2021. „Ihr Bild ist eine kleinere Fassung eines mit Recht Willeboirts zugeschriebenen Bildes in Kassel (siehe Axel Heinrich, Thomas Willeboirts Bosschaert, Turnhout, 2003, Kat. A 58, Abb. 88). Sieht schön aus. Und manche Details sind auch mit weiteren Werken von TWB sehr verwandt.“
[2] Axel Heinrich, schriftliches Gutachten vom 8. November 2021.
[3] T.W. Bosschaert,“Kinderbacchanal“, Öl auf Leinwand, 131 x 200 cm, Kassel, Staatliche Museen, Gemäldegalerie.
[4] T.W. Bosschaert, „Amor mit gebändigtem Löwen“, Öl auf Leinwand, 149 x 200 cm, ehem. Den Haag,Mauritshuis (1940 verbrannt).
[5] T.W. Bosschaert, „Allegorie des Krieges“, Öl auf Holz, 27,5 x 39 cm, Stadtmuseum Münster.
[6] Van Dyck, „Triumph des Bacchus“, Öl auf Leinwand, 144 x 199 cm, Kunsthaus Zürich.
[7] Van Dyck, „Ruhe auf der Flucht“, Öl auf Leinwand, 106 x 83 cm, Wien, Kunsthistorisches Museum.
Flemish School of the 17th Century - Orpheus and the Animals
Flemish School of the 17th Century
Orpheus and the Animals
Oil on canvas, 146,5 x 217 cm
Price on request
Provenance: South German private collection.
On an impressive, room-filling format, this painting depicts „Orpheus and the Animals“.
The harp-playing Orpheus sits centrally in front of a tree whose trunk forks above his head. This central tree frames the scenery with its crown towards the horizon and at the same time offers space for many birds through its branches. The left half of the picture is dominated by a seascape, at the edge of which the ruins of a castle can be seen deep in the background. This seascape, which is framed by mountains on the horizon, is the only area where sky can be seen. On this side, waterfowl such as storks, swans and ducks can be seen. In the right half, the viewer looks into a deep European forest. On this right side, more land animals can be found, such as deer, rabbits and lions, among others. Orpheus wears opulent red and gold clothing with gold trim, and under his blue breastplate we see a white shirt. His feet are adorned by elaborate sandals. His head is surrounded by a radiant laurel wreath („poeta laureatus“). The young man is clearly recognisable by his harp, the laurel wreath and the animals surrounding him as the singer and poet of Greek mythology, Orpheus.
Orpheus was one of the Argonauts who, under Jason, was searching for the Golden Fleece. He sang so beautifully that he even conquered the angry sea and enemies by the magic of his lyre. During the journey, Orpheus is said to have even drowned out the sirens with his singing. It is said that he was the greatest of all poets and charmed people, animals, stones and trees with his song.
A total of 51 birds and 37 different species are depicted in the painting. .[1] Most of the animals are depicted in great detail and, with the exception of a few, can be identified. Mainly European species are shown. Exceptions are the ostrich-like nandu peeking out from behind the deer, the large parrot at the upper left, and the two lions. The same applies to the large animal directly behind Orpheus on the right. The shape of the head suggests an arctic fox from the polar regions, even though the body is much too large. The arctic fox was first described in 1555 by Olaus Magnus. However, it could also be a depiction of a brown or black bear.
An unusual detail is the animal, which is relatively isolated in the right background and looks to the left. It is not clearly identifiable, but it bears some resemblance to the Australian kangaroo. This was first described by Vespucci in 1500 and further by Francisco Pelsaert in 1629. If it is indeed a kangaroo, this would be one of the earliest surviving pictorial representations of a kangaroo.
In this painting, Orpheus is accompanied by a small monkey playing a viola da gamba. This is an iconographic peculiarity. In general, this painting has some peculiarities compared to other paintings with „Orpheus and the Animals“. The central positioning of Orpheus is quite common, but he usually holds a lyre and is dressed in an antique style, but not as opulently. The choice of animals is also remarkable: European animals in particular are to be seen, hardly any exotic features such as camels or elephants.
The two lions in the right foreground are a quotation after Peter Paul Rubens and his depiction of „Daniel in the Lion’s Den“, which was realised in an engraving.
On the basis of its painterly and compositional conception, the present painting can be classified as belonging to the Flemish School of the 17th century. There are numerous depictions of this Orpheus theme from the circle of Jan Brueghel the Younger, who used the occasion to show as many exotic animals as possible. There are also echoes of Spanish painters such as Juan de Arellano or the Italian Sinibaldo Scorza. The composition of the tree landscape is also reminiscent of Jan Brueghel the Younger and Roelant Savery. One must assume that the artist of the present painting knew some depictions of Orpheus and combined them here in a kind of capriccio. Moreover, one must assume that he had seen some of the animals either in the original (menageries), as stuffed animals or also in copper engravings. This access and this education alone speak for a creation of the painting in the circle of a court or a highly educated patron.
[1] We would like to thank Mr. Ruud Vlek, Amsterdam, for his research and for his help to identify the different species and their meaning.
Flämische Schule des 17. Jahrhundert - Orpheus und die Tiere
Flämische Schule des 17. Jahrhundert
Orpheus und die Tiere
Öl auf Leinwand, 146,5 x 217 cm
Preis auf Anfrage
Provenienz: Süddeutsche Privatsammlung.
Auf einem beeindruckenden, raumfüllenden Format zeigt dieses Gemälde „Orpheus und die Tiere“.
Der Harfe- spielende Orpheus sitzt zentral vor einem Baum, dessen Stamm sich über seinem Kopf gabelt. Dieser zentrale Baum rahmt mit seiner Krone die Szenerie Richtung Horizont ein und bietet gleichzeitig durch Äste die Möglichkeit für viele Vögel Platz zu finden. Die linke Bildhälfte wird durch eine Seelandschaft geprägt, an dessen Rand tief im Hintergrund die Ruinen eine Burg zu erkennen sind. Diese Seelandschaft, die im Horizont durch Berge eingerahmt wird, ist der einzige Bereich, in dem Himmel zu sehen ist. Auf dieser Seite sind vor allem Wasservögel, wie Störche, Schwäne und Enten zu sehen. In der rechten Hälfte blickt der Betrachter in einen tiefen europäischen Wald hinein. Auf dieser rechten Seite lassen sich vermehrt Landtiere, wie unter anderem Wild, Kaninchen und Löwen finden. Orpheus trägt opulente in Rot und Gold gehaltene Kleidung mit Goldbesatz, unter dem blauen Brustpanzer sehen wir ein weißes Hemd. Seine Füße werden durch aufwändig gearbeitete Sandalen geschmückt. Sein Haupt wird von einem strahlenden Lorbeerkranz umgeben („poeta laureatus“). Der junge Mann ist durch seine Harfe, den Lorbeerkranz und die ihn umgebenen Tiere klar als Sänger und Dichter der griechischen Mythologie, Orpheus, zu erkennen.
Orpheus war einer der Argonauten, der unter Jason nach dem Goldenen Vlies suchte. Er sang so schön, dass er sogar das wütende Meer und die Feinde durch den Zauber seiner Lyra bezwang. Während der Fahrt soll Orpheus mit seinem Gesang sogar die Sirenen übertönt haben. Es heißt, dass er der größte aller Dichter war und mit seinem Gesang Menschen, Tiere, Steine und Bäume bezauberte.
Insgesamt sind 51 Vögel und 37 verschiedene Arten auf dem Gemälde dargestellt.[1] Die Tiere sind größtenteils sehr detailliert wiedergegeben und können bis auf wenige, identifiziert werden. Es werden vor allem europäische Tierarten gezeigt. Ausnahmen sind der straußenähnliche Nandu, der hinter dem Rotwild hervorschaut, sowie der große Papagei links oben, und die beiden Löwen. Ähnliches gilt für das große Tier direkt rechts hinter Orpheus. Die Kopfform lässt auf einen Polarfuchs aus den Polarregionen schließen, auch wenn der Körper viel zu groß ist. Beschrieben wurde der Polarfuchs zuerst im Jahre 1555 durch Olaus Magnus. Es könnte sich jedoch auch um die Darstellung eines Braun- oder Schwarzbären handeln.
Ein außergewöhnliches Detail ist das Tier, welches relativ isoliert im rechten Hintergrund zu finden ist und nach links blickt. Eindeutig identifizierbar ist es nicht, jedoch weist es gewisse Ähnlichkeiten mit dem australischen Känguru auf. Dieses wurde zuerst von Vespucci 1500 und weitergehend von Francisco Pelsaert 1629 beschrieben. Sollte es in der Tat ein Känguru sein, so wäre dies eine der frühesten überlieferten, malerischen Darstellungen.
Auf diesem Gemälde wird Orpheus von einem kleinen Affen begleitet, der auf einer Viola da Gamba spielt. Dies ist eine ikonographische Besonderheit. Überhaupt weist dieses Bild im Vergleich zu anderen Bildern mit „Orpheus und den Tieren“ einige Eigenheiten auf. Die zentrale Positionierung Orpheus‘ ist durchaus häufiger anzutreffen, jedoch hält er meist eine Lyra und ist zwar antikisierend, jedoch nicht so opulent gekleidet. Auch die Auswahl der Tiere ist bemerkenswert: es sind besonders europäische Tiere zu sehen, kaum exotische Besonderheiten, wie Kamele oder Elefanten.
Die beiden Löwen im rechten Vordergrund sind ein Zitat nach Peter Paul Rubens und dessen, in einem Kupferstich umgesetzten Darstellung von „Daniel in der Löwengrube“.
Das vorliegende Gemälde kann aufgrund der malerischen und kompositorischen Auffassung in die Flämische Schule des 17. Jahrhunderts eingeordnet werden. Aus dem Umkreis von Jan Brueghel d.J. finden sich zahlreiche Darstellungen dieser Orpheus – Thematik, die es zum Anlass nehmen möglichst viele exotische Tiere zu zeigen. Es finden sich auch Anklänge zu spanischen Malern wie Juan de Arellano oder auch zu dem Italiener Sinibaldo Scorza. Die Komposition der Baumlandschaft erinnert ebenfalls an Jan Brueghel d. J. und Roelant Savery. Man muss vermuten, dass der Künstler des vorliegenden Gemäldes einige Darstellungen des Orpheus kannte und diese hier in einer Art Capriccio verband. Zudem muss man davon ausgehen, dass er einige der Tiere entweder im Original gesehen hat (Menagerien), als ausgestopfte Tiere oder auch in Kupferstichen. Allein dieser Zugriff und diese Bildung sprechen für eine Entstehung des Gemäldes im Umkreis eines Hofes oder eines hoch gebildeten Auftraggebers.
[1] Für die Identifizierung der verschiedenen Spezies und ihren Bedeutungen danken wir herzlich Herrn Ruud Vlek, Amsterdam.
Follower of Jacopo Amigoni
Follower of Jacopo Amigoni
(1685 –1752)
Saint John the Baptist Preaching
Oil on canvas, 22 x 31 cm
Price: € 8,000
–
Nachfolger des Jacopo Amigoni
Nachfolger des Jacopo Amigoni
(1685 – 1752)
Predigt Johannes des Täufers
Öl auf Leinwand, 22 x 31 cm
Preis: 8.000 €
–
Gottfried Libald
Gottfried Libald
(c. 1610 Hamburg – 1673 Vienna)
Still life with birds, fruits and vegetables
Oil on canvas, 101 x 84 cm
Signed upper left „G Libald “ (G and L ligated)
Price: € 48.000
Provenance: Private collection Brussels; Private collection Ghent (Belgium)
Gottfried Libalt was a German Mannerist artist who was particularly active in Hamburg, Krakow and Vienna.
Two of his major works can still be found in the church of St. Peter in Hamburg. He was famous for his still lifes and the excellent rendering of materiality.
The present painting is published in the specialist literature on Libalt and is recognised as an authentic work by the artist. It is also listed in the Rijksarchief voor Kunsthistorische Dokumentatie (RKD).
Literature:
Z. Kazplepka, The „unknown Gottfried Libalt (1610-1673). Additions to his life and work. Umeni/Art, XLVI, 1998, pp. 212-218, fig. 1 (p. 213).